Школьная энциклопедия. Секрет величия главных произведений японского искусства Художественная япония

Книги о японской культуре и искусстве, о японской гравюре.

Японское искусство - явление исключительное. Только в силу удаленности Японии от основных материков могла сложиться эта удивительная культура, столь непохожая на все, что когда-либо создавал человек. Японцам свойственно особенное отношение к красоте и гармонии: они замечают волшебство в мелочах и видят главное, не отвлекаясь на детали и приукрашивание. Для японца каждое произведение искусства - это внутренняя медитация, постижение Красоты и наполнение ею. Именно потому Японское искусство в большинстве случаев несет декоративно-прикладной характер.

В данной книге представлены все виды японского искусства: живопись и графика, архитектура и декоративно-прикладное искусство, оружейное дело и многое другое - в контексте исторического развития от древних времен до наших дней.

"Выразительная красота японского искусства не может быть передана словами, но только лишь через верное воспроизведение изобразительных оригиналов. Осуществить на практике эту систему - вот чему будет полностью посвящена эта книга."

Это великолепное красивейшее издание, которое прекрасно подходит в качестве подарка. Большой формат, очень хорошая полиграфия, и отличное содержание!

Это своего рода иллюстрированная энциклопедия по японскому искусству.

- Японское искусство . Краткий исторический очерк
- Японская гравюра
- "Манга" - быстрые эскизы хокусаи
- Японская архитектура
- Гениальность японского декора
- Работа с драгоценными металлами
- Холодное оружие

Дайсэцу Судзуки: Дзэн и японская культура

Zen and Japan Culture

Известный японский буддолог Дайсэцу Тэйтаро Судзуки (1870 - 1966 гг.) приглашает читателя погрузиться в мир причудливой японской культуры. Своеобразие этой культуры во многом связано с долгим и плодотворным влиянием на нее дзэн-буддизма.

Излагая тему одновременно и в качестве представителя дзэн, автор школы описывает и анализирует творческий вклад этой школы буддизма в японскую духовную культуру, а именно в фехтование и чайную церемонию, поэзию и драму, живопись и изучение конфуцианства. Он объясняет, почему учение дзэн оказалось созвучным принципам самурайского сословия, а также показывает, какие особенности японского национального духа проявились под влиянием дзэн.

Автор приводит читателя к мысли о том, что японцы вряд ли смогли бы образовать целостную нацию, если бы не испытали глубокого воздействия этой школы дальневосточного буддизма, основанной индийским монахом Бодхидхармой в VI в. н. э.

Для широкого круга читателей.

Иллюстрации в книге даны черно-белые и цветные, они красивые и информативные.

Предисловие
I. Что такое дзэн?
II. Общие замечания о японской культуре
III. Дзэн и изучение конфуцианства
IV. Дзэн и самураи
V. Дзэн и искусство фехтования
VI. Дзэн и искусство фехтования (продолжение)

VII. Дзэн и хайку
VIII. Дзэн и искусство чая
IX. Дзэн и искусство чая (продолжение)
X. Рикю и другие последователи искусства чая
XI. Любовь к природе
Приложения
I. Два мондо из Хэкигансю
II. Вималакирти сутра
III. Яма-уба, пьеса театра Но
IV. Фехтовальщик и Кошка
V. Чжуан-цзы
С. В. Пахомов. Дзэн как основа японской культуры
Указатель

Японская гравюра, мини-книга

В книге представлены репродукции работ виднейших японских художников конца XVII - первой половины XIX века, прославившихся изысканными и красочными, экзотическими и в то же время несложными для понимания гравюрами с изображением пейзажей, портретов куртизанок и актеров, эротических и жанровых сцен.

Это книга МИНИ-формата! Размеры: 98x80x30 мм.

Восхищает золотой обрез, серебряное ляссе.

Репродукции небольшого размера, некоторые - размером с большую почтовую марку, но качество печати отличное, и на следующих страницах даются увеличенные фрагменты репродукции.

Великолепное издание для всех поклонников мини-книг.

Страниц: 512 (Мелованная бумага).

Японская гравюра

"Наслаждение для глаз, изумительное приключение для сердца и души". - Le carnet du collectionneur, Брюссель

О составителе: Габриель Фар-Бекер изучала историю искусств, археологию и философию и получила докторскую степень в Мюнхенском университете в 1970 году, защитив диссертацию о модерне. Она является автором нескольких книг по искусству.

Роскошное издание, а стоит сравнительно недорого.

Формат - альбомный.

Мелованная бумага, 200 страниц, очень много иллюстраций - и черно-белых, и цветных

В начале книги - статья о укиё-э ("изменчивый мир"). Плюс статья о вишне.

Изначально гравюры были только черно-белые, рисовались тушью, потом гравюры становятся цветными, расширяется тематика. К гравюрам в книге даны пояснения.

И каллиграфию на шёлке и бумаге, ксилографию и гравюры укиё-э , киригами , оригами , а также наиболее молодое направление - мангу - современные японские комиксы, и многие другие типы произведений искусств. Его история охватывает огромный период - от первых людей, населявших Японию примерно в 10 тысячелетии до нашей эры , до наших дней.

На протяжении долгих периодов своей истории Япония была изолирована от влияния внешнего мира и вслед за любым новшеством или идеей, случайно проникшими в неё извне, следовал новый период минимального контакта с другими культурами. Развитию японской живописи способствовало налаживание контактов с континентом. Именно оттуда в начале VII века были позаимствованы технологии изготовления красок, бумаги и туши. Японская живопись в этот период времени была весьма проста, и представляла собой росписи, выполненные красной, зеленой и желтой краской на черном фоне. По мере дальнейшего распространения в стране буддизма, профессия художника стала более востребованной, собственно возросло качество и количество художественных произведений .

С течением времени японцы выработали способность впитывать, имитировать и наконец ассимилировать подобные элементы пришлой культуры, таким образом обогащая собственные эстетические вкусы. Первые образцы высокого искусства начали создаваться в Японии в VII и VIII веках - одновременно с распространением Буддизма . В IX веке, когда японцы начали отстраняться от китайских веяний и развивать свои собственные формы выражения, как никогда прежде стали цениться секулярные искусства - наряду с искусствами религиозной направленности они процветали до конца XV столетия. Вслед за Войной Онин (1467–1477) в Японии наступил период политической, социальной и экономической смуты, длившийся около ста лет. В государстве, возникшим под началом Сёгуната Токугавы , организованная религия стала играть куда меньшую роль в повседневной жизни и основными видами искусств, сумевших сохраниться в ту эпоху, стали искусства секулярные.

Живопись - наиболее популярное средство выражения, существующее в Японии, к которому прибегают как любители, так и профессионалы. Вплоть до наших дней японцы предпочитали использовать для письма кисть , а не пишущие инструменты , и их мастерское владение кистевыми техниками вылилось в крайнюю чувствительность к ценностям и эстетике живописи. С ростом интереса к популярной культуре в период Эдо важной формой искусства стали оттиски на деревянных брусках - их техника была усовершенствована и отточена для производства цветных отпечатков. В этот период отмечается падение симпатии японцев к такому средству выражения как скульптура - она начинает ассоциироваться с религией и её применение уменьшается вместе с уменьшением роли Буддизма.

Японская керамика считается одной из лучших в мире, а её образцы включают в себя древнейшие артефакты японской культуры. Архитектурные предпочтения японцев выражаются в использовании натуральных материалов и четкой взаимосвязи между внутренними и внешними пространствами.

История искусства Японии [ | ]

Статуэтка со снегозащитными очками , период Дзёмон

Искусство Дзёмон [ | ]

Первые переселенцы, обосновавшиеся в Японии - народ Дзёмон (ок. 11000-300 года до н.э.), получивший своё имя по верёвочному орнаменту, украшавшему изготавливаемые ими сосуды. Они были кочевыми охотниками-собирателями, позже начавшими практиковать организованное земледелие и сумевшими построить города с населением в сотни, если не в тысячи человек. Их дома были примитивными постройками из дерева и соломы, чаще всего располагавшимися в земляных ямах для сохранения тепла. Они изготавливали богато украшенные керамические сосуды , глиняные фигурки догу и хрустальные украшения.

Искусство Яёй [ | ]

Следующей волной переселенцев стал народ Яёй , названный так в честь района Токио , где были обнаружены останки их поселений. Эти люди, прибывшие в Японию примерно в 350 году до н.э., принесли с собой секреты культивации риса на заливных полях, производства медного оружия и бронзовых колоколов (дотаку), а также керамику, изготавливаемую на вращающемся колесе и обжигаемую в угольных печах.

Искусство Кофун [ | ]

Санкакубути синдзюкё или зеркало с треугольными краями

Третий период летоисчисления доисторической Японии - период Кофун (ок. 250-552 н.э.) представляет собой трансформацию культуры Яёй, вызванную либо внутренним развитием, либо влиянием извне. Период получил название в связи с большим количеством созданных в это время мегалитических курганов кофун . Во время этого периода различные группы людей объединились в политические союзы, в конечном итоге сформировав нацию. Типичные артефакты представлены бронзовыми зеркалами, символами политических союзов и глиняными скульптурами ханива , возводившимися возле курганов.

Искусство Асука и Нара [ | ]

На периоды Асука и Нара , названые так из-за размещения государственных органов того времени в долине Асука (в 552-710 годах) и в городе Нара (в 710-784 годах), пришлось первое значительное привнесение континентальной азиатской культуры в Японию.

Распространение буддизма спровоцировало первые контакты между Китаем, Кореей и Японией.

Японцы разглядели в китайской культуре определенные аспекты, которые смогли перенять и включить в свою собственную: система передачи звуков и идей посредством письменности; историография ; комплексные теории государственности, такие как эффективная бюрократия ; а также, что наиболее важно с точки зрения искусства - новые технологии, методы строительства, более продвинутые техники обработки бронзы и новые техники и средства для изобразительного искусства.

И все же основной причиной интенсификации контактов между Японией и азиатским континентом на протяжении VII и VIII веков было распространение буддизма. Среди исследователей нет единого мнения по поводу некоторых знаковых дат и правильности названий периодов между 552 годом - официальной датой появления буддизма в Японии, и 784 годом - датой переноса столицы из Нары. Наиболее общепринятые рамки включают период Суйко (552-645), период Хакухо (645-710) и период Тэнпё (710-784).

Самые ранние из известных японских статуй Будды относят к VI и VII векам. Они созданы под влиянием греко-буддистского искусства I-III веков, на которое также наложили отпечаток представления китайских и корейских скульпторов. Для него характерны реалистичные формы с плавной фактурой одежды. Проникнув на корейский полуостров из государства Северная Вэй , религиозные изображения Будды далее проникли в Японию.

Старейшие буддистские постройки на территории Японии сохранились до наших дней. К ним относится и самое старое деревянное здание на дальнем востоке - храм Хорю-дзи к юго-западу от Нары. Изначально построенный как личный храм наследного принца Сётоку , он состоит из 41 независимого строения.

Искусство Хэйан [ | ]

Мандала мира чрева (Тайдзокай )

В связи с ростом влияния и благосостояния буддизма в Наре, жрец Кукай (наиболее известный под посмертным титулом Кобо Дайси, 774-835 гг) отправился в Китай для изучения сингона - одной из форм буддизма, принадлежащей направлению ваджраяны , которую он начал проповедовать в Японии в 806 году. В основе этого учения лежат мандалы - диаграммы духовной вселенной, которые начали влиять и на дизайн храмов. Японская буддистская архитектура также переняла ступу - изначально индийский храмовый элемент , позднее принявший вид китайской пагоды.

Храмы, возводимые под влиянием этого нового учения, расположились в горах, вдалеке от столичного правительства и мирян. Неравномерная топография этих мест сподвигла японских архитекторов к переосмыслению проблем при строительстве храмов, в результате чего они стали больше уделять внимания традиционным японским приёмам проектирования и возведения построек. Кипарисовые крыши пришли на смену керамической черепице, вместо земляного пола стали использоваться деревянные планки. К основным местам поклонения стали пристраивать отведённые для мирян пространства.

Искусство Камакура [ | ]

Ажурный реликварий из бронзы с позолотой

В 1180 году разгорелась война между двумя наиболее влиятельными кланами - Тайра и Минамото . Спустя пять лет клан Минамото одержал победу, после чего фактическое место пребывания правительства было перенесено в приморскую деревню Камакура , где оно оставалось вплоть до 1333 года. Переход всей полноты власти от аристократии к классу воинов повлиял и на искусство того времени. Аудитория этого искусства теперь состояла из людей посвятивших себя военному ремеслу, священников, пытающихся сделать буддизм доступнее для малограмотных крестьян, а также консервативно настроенной знати и некоторых священников, сожалеющих об ослаблении власти императорского двора. Таким образом, искусство периода Камакура характеризуется реализмом и возрождением классического стиля. В период Камакура Киото и Нара сохранили за собой статус центров высокой культуры и искусств.

Введение

Японская живопись

Японская гравюра

Японская каллиграфия

Заключение

Введение

Культура Японии ярко выделяется своей необычной многогранностью на общем фоне мировой культуры, и для западного человека кажется очень притягательной, загадочной и непостижимой. Она непрерывно развивалась, начиная с X - XI веков, поэтому ей был присущ повышенный динамизм и особенная чуткость к восприятию. Главной ее особенностью является то, что в центре философских и художественных исканий оказалась природа на протяжении всего средневекового периода, а её закономерности считались универсальными, определявшими жизнь и взаимоотношения людей. С многообразными проявлениями природы сопоставлялся внутренний мир человека. Это повлияло на развитие символического метода в изобразительном искусстве, определив его иносказательный поэтический язык. Под влиянием подобного отношения к природе формировались виды, жанры искусства, происходил рассвет пейзажной живописи. С XVII и до середины XIX века Япония была практически закрыта для иностранцев. В период этой изоляции в Японии получило творческое развитие, национальное своеобразие. И когда, по прошествии, нескольких веков перед миром, наконец, открылась богатейшая традиционная культура Японии, она оказала сильное влияние на последующее развитие европейской живописи, театра и литературы. В данной работе целью является изучение культуры Японии как изобразительного искусства. В соответствии с целью ставятся задачи:

1. Открыть традиционные виды изобразительного искусства, ставшие национальным достоянием.

2. Выявить сущность каждого из этих видов искусств и узнать, какой вклад они сделали в культуре Японии.

3. Познакомиться с мастерами и художниками того времени.

Японская живопись

Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины - ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера. О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Хэйан (794..1185 годы). Это иллюстрации знаменитой «Повести о принце Гэндзи» писательницы Мурасаки Сикибу. Иллюстрации были выполнены на нескольких горизонтальных свитках и дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина XII века). Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни, свойственное им очарование, неуловимое и ускользающие. Живопись того времени, получившая в последствии название Ямато-э (в буквальном переводе - японская живопись), передавала не действие, а состояние души.

Когда наступил закат культуры Хэйанской эпохи, в живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов. В XIV, XV веках под воздействием проповедников «Дзэн-буддизма», с их особым вниманием к природе, начала развиваться пейзажная живопись. В изобразительном искусстве Японии «Дзэн» проявился в так называемом стиле “одного угла”. Этот стиль воплощается в принципе “экономной кисти”, когда художник несколькими мазками передает суть его работы. В течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему, сделав одноцветную пейзажную живопись достоянием национального искусства. Её наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420..1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. В своих пейзажах он, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками чёрной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и её бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.

На конец XVI и XVII веков приходится расцвет декоративной настенной живописи в Японии. Мир, созданный художниками японских декоративных росписей, при первом знакомстве кажется то простым и понятным, то сложным и недоступным. Их завораживающая красота и гармония убеждают в том, что существуют какие-то особые законы взаимодействия реальных наблюдений и художественной фантазии мастеров, их создавших. До нашего времени больше всего росписей сохранилось в городе Киото, древней столице Японии. Именно здесь работали выдающиеся художники: Кано Эйтоку, Кано Санраку, Хосэгава Тохаку, а позднее Таварая Сотацу и Огата Корин. Они оставили потомкам произведения, принадлежащие к сокровищам мирового искусства. Творчество каждого из этих мастеров - важный этап в истории стилевого развития декоративных росписей. Но их созданиям присущ и ряд общих свойств, определяемых в первую очередь взаимодействием с архитектурным пространством, в котором они помещались. Любая настенная живопись зависит от форм архитектуры, ее конструкции и материала. В традиционной японской архитектуре главным строительным материалом было дерево, а основу конструкции составлял каркас из столбов и балок, на котором располагалась кровля. Стены ограждали внутреннее помещение и делили его в соответствии с жизненной необходимостью. Они двигались по специальным направляющим желобкам и представляли собой деревянные рамы, затянутые бумагой. Для наружных стен употреблялась полупрозрачная, пропускавшая свет бумага, для внутренних перегородок - плотная, напоминавшая картон. Как раз ее использовали для росписей. Другим видом стены - перегородки была ширма, так же украшавшаяся живописью. Подвижность стен, на которых располагались росписи, оказывала воздействие на восприятие произведений. Когда стены раздвигались, менялась конфигурация пространства, в поле зрения попадали расписанные панели в соседних помещениях. Композиционное построение произведений было обусловлено образом жизни людей: поскольку в японском доме отсутствовала мебель и главной поверхностью, на которой сидели, спали, принимали пищу, являлся покрытый циновками пол. Это было светское искусство, обращенное к жизни и потребностям людей.

Японская гравюра

В XVII - первой половине XIX века в японском искусстве развилось направление «укиё-э» - «искусство быстротекущего мира». Оно было порождено становлением нового городского сословия - ремесленников и торговцев. Искусство этого мира - «укиё-э» и прежде всего гравюра - стало отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов. В отличие от аристократической живописи средних веков гравюра на дереве была многотиражной, доступной по цене, воистину популярной. Японская гравюра на дереве - это обрезная ксилография. Клише для нее изготовлялись на продольном срезе грушевого или вишневого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом плавность рисунка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Она основывалась на традициях книжной графики, программ излюбленного театра горожан - Кабуки, но только с появлением гравюр на отдельных листах - итимаеэ она стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства (вторая половина XVII) . Первоначально гравюра была одноцветной, и весь сравнительно небольшой тираж ее подкрашивался от руки, что придавало произведениям особое очарование непосредственности и рукотворности. В основном гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательной, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни.

Ранний период развития гравюры датируется 1680--1760 годами. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал портреты актёров, подчёркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонажа пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство. О жизни графика не сохранилось никаких свидетельств, кроме 150 великолепных гравюр, в большинстве своем театральных. Его портреты актеров отличаются смелостью и артистизмом исполнения, предельным накалом страстей. Но, несмотря на кратковременность художественной карьеры, Сяраку успел войти в историю как выдающийся мастер японской театральной гравюры.

В бытописательной гравюре прославились такие выдающиеся художники как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро. Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. Его героини как будто застыли на мгновение и сейчас продолжат своё плавное грациозное движение. Но эта пауза - наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувства, которым они живут.

Самым известным мастером гравюры был гениальный художник Кацусика Хокусай (1749--1860).Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай исполнил более 30 000 рисунков и проиллюстрировал около 500 книг. Будучи уже в преклонном возрасте, Хокусай создал одно из самых значительных произведений - серию «36 видов Фудзи» - в действительности содержит сорок шесть пейзажей, позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. В этой серии священная гора Японии предстает как символ нации и страны. Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Художник увидел жизнь как единый процесс во всём многообразии её проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и заканчивая окружающей природой с её стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, - последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, её замечательный итог.

Японская каллиграфия

Японская каллиграфия - одно из самых популярных, изящных искусств Японии. Каллиграфические работы ценятся не меньше, чем произведения живописи. Но этот вид изобразительного искусства, помимо художественных достоинств обладает глубоким философским смыслом. По большому счету, каллиграфия - это нечто среднее между рисунком и письмом. Изображенные на листах бумаги или шелка иероглифы выполняют функцию картины - доставляют эстетическое наслаждение и несут определенный смысл. Чтобы понять, каллиграфию как искусство, начнем издалека. Дело в том, что во всех первобытных культурах понятия «писать» и «изображать» были идентичными. Информацию передавали не буквы и слова, а картинки. В дальнейшем рисунки схематизировались, становились не изображением предметов, а упрощенными знаками, обозначающими эти предметы. У китайцев такими знаками стали иероглифы, представляющие собой совокупностью письма и живописи, слова и рисунка, понятия и его обозначения. Так в мире появилось одно из самых изящных искусств - каллиграфия. Из Китая каллиграфия пришла в Японию - примерно в V веке н.э. в процессе внедрения в Страну восходящего солнца китайской письменности. Долгое время китайский язык в Японии считался чем-то вроде литературного языка. Потом стали применяться китайские иероглифы, адаптируя их к требованиям родного японского.

В Японии каллиграфия считалась одним из видов изящных искусств, которым, наравне с поэзией и живописью, должен был владеть каждый культурный житель вышеозначенных стран. Красиво написанный иероглиф или строка из стихотворения свидетельствовали о красоте мысли и духа. По качеству почерка угадывался не только уровень образования пишущего, но и его характер и нравственные качества. «И если потерять голову от портрета незнакомки» - это такая европейская романтика, «то влюбиться по почерку» - это уже восточная реальность. В восточной каллиграфии нет ничего случайного: для каждой линии и точки важно начало, направление, форма и окончание, важен баланс между элементами, и даже пустое пространство говорит о многом. Иероглифы гармоничны, пропорциональны, сбалансированы.

Существует три типа написания иероглифов: Кайсе (квадратом) - когда одна линия пишется за другой. Этот стиль используется редко. Дзисё (полу курсивом) - более быстрое написание. Сосё (курсивом) - быстрое написание (в несколько движений), при котором линии письма менее чёткие.

Зрительное восприятие текста по значению не уступало зрительному восприятию картины и играло важную роль в смысловом восприятии того же текста. Отсюда и получил громадное распространение культ каллиграфии. Из стремления соединить стиль начертания слов с их смыслом возникли и существовали на протяжении многих столетий четко отработанные и освященные традицией приемы графической стилистики. Их предназначение - усиливать эмоциональное воздействие на читателя продуманным соответствием каллиграфического почерка смысловому и литературно - стилевому содержанию написанного текста. Существо же заключалось в том, что произведения определённого литературного стиля или научного содержания записывались определённым каллиграфическим почерком: стихотворные сборники - тонкой, вытянутой в длину строкой скорописи, пьесы причудливо закрученной, плотной скорописью, растянутой в ширину и стянутой по вертикали.

Таким образом, каллиграфия - это не только искусство идеального написания слов, но и искусство идеального духа.

Икэбана - древнее японское искусство, создания цветочных композиций. Слово «икебана» состоит из двух иероглифов: «икэ» - жизнь и «хана» - цветок и чаще всего переводится как «дать цветам новую жизнь» или «позволить цветам выразить себя». Истоки икэбаны уходят вглубь истории Японии. Они связаны с древним обычаем преподношения цветов умершим предкам и божественным духам, которые, согласно религии Синто, находятся в каждом предмете. На смену религиозной системе синтоизма в VI веке в стране был введен в качестве государственной религии буддизм. С построением буддийских храмов был создан и ритуал преподношения цветов Будде, их ставили к алтарю в больших букетах. Первыми учениками и преподавателями этого искусства были буддийские монахи.

Искусство икэбана отличается каноничностью, и в то же время в нем природа и человечность сливаются воедино. Вопреки представлениям о цветочной композиции как о наборе пестрых разноцветных растений, в составлении икебана часто уделяется внимание стеблям и листьям, а также формам, линиям и очертаниям. Хотя икэбана - это творческое самовыражение, она имеет определенные правила составления. Замысел художника в каждой композиции проявляется через сочетание цветов, природные формы, изящность линий, и обязательно присутствие внутреннего смысла Духовный аспект искусства икэбана считается чрезвычайно важным. Во время составления икэбаны молчание - важная составляющая. Это время посвящается попытке оценить красоту вещей в природе, что люди часто упускают из-за динамичного ритма жизни. Человек становится более терпеливым и терпимым к различиям, не только в природе, но и в целом. В процессе составления человек чувствует близость к природе, которая дарит отдых для ума, тела и души. Искусство икебана позволяет увидеть красоту во всех видах искусства.

Прошло время, появились другие школы, поменялись стили, Икэбана стала традиционным видом искусства в японском обществе. Духовный аспект искусства икэбана считается чрезвычайно важным. Икэбана и по сей день остается одним из самых ярких видов искусства в японской культуре. О нем рассказывают по телевидению, ему обучают в школах и им восхищаются.

изобразительный искусство гравюра живопись япония

Ошибана - это вид изобразительного искусства, рожденного флористикой. Это очень древнее искусство, которое наиболее распространено было в Японии и появилось в XIVвеке.Основная идея в том, что мастер собирает и засушивает природный материал (цветы, кору деревьев, листья, семена и т. д.), а затем создает великолепные картины из собранного материала, поэтому Ошибану еще называют живописью растениями. В Японии искусством Ошибана долгое время могли заниматься исключительно воины. Ошибана была для японских самураев частью военной подготовки (наряду с написанием иероглифов и владением мечом). Искусство Ошибана было мужским занятием, но постепенно им увлеклись и женщины.

Растительный материал собирают, подсушивают на бумаге, а затем помещают его под пресс. Вначале растения раскладывают на плоской поверхности для просушки, а затем помещают под пресс на газетный лист. Очень важно, чтобы бумага была пористой, ведь естественная влага должна легко испаряться в процессе высушивания, поэтому глянцевые книги и журналы для этой цели не подойдут. Быстрее всего сохнут полевые цветы и розы, которые можно высушить за 3-4 дня. Если правильно высушить растения и хранить их в соответствующих условиях, то растительный материал для Ошибана сохранит свой цвет на очень долгое время.

Но одним из главных условий Ошибана является то, что художник обязан сохранить форму и фактуру засушенного растения. Именно по этой причине японцами была разработана методика. Суть ее в том, что мастера помещают уже готовую картину под стекло и выкачивают воздух между стеклом и сухими растениями, таким образом, создавая вакуум, который не позволяет растениям испортиться.

Вот после такого непростого пути, можно увидеть всевозможные цветочные композиции, натюрморты,пейзажи и даже портреты, которые радуют глаз и до сих пор являются национальным достоянием в Японии.

Бонсэки - ландшафт в миниатюре, пейзажи, изготовленные исключительно из неживого материала: камней и песка, а также сами камни, в силу своей необычной формы или текстуры,становившейся объектом любования. Такие камни называли суйсэки (слово, составленное из двух иероглифов -- «вода» и «камень»). Их собирали в руслах пересохших ручьев, на морском побережье, а также в пустынях, где суйсэки формировались под воздействием не текущей воды, а сухого ветра, за многие тысячелетия способного придать камням необычный вид. Искусство Бонсэки изображается на черном лакированном подносе с помощью белого песка (кварца) крупного, среднего и мелкого помола. Не всегда такая картина на подносе плоская. Мастера Бонсэки используют натуральные предметы для придания объема своим произведениям. Бонсэки также сравнивают с трехмерными картинами, которые таинственно пульсируют движениями природы, уносят и художника, и наблюдателя в свои глубины, искажающие реальность. Камни всех форм становятся настоящими горами, выстроенными грядой, или же выступающими морскими скалами, в то время как различные виды песка используются для разработки деталей.

Япония познакомилась с первыми образцами такого искусства много позже, чем Китай, лишь в начале VII века, когда ко двору императрицы Суйко прибыло посольство из Китая. Среди многочисленных даров японскому престолу были и Бонсэки.

В Японии традиция создания миниатюрных пейзажей сложилась в эпоху Муромати (1333-1568), а в эпоху Эдо (1600-1868) возникли школы «миниландшафтного дизайна» со своими техниками и правилами. В период Момояма мастер этого течения Сэн Рикю немного видоизменил технологию и стал более естественно изображать природу. Рассматривая композиции искусства Бонсэки, видно, что большая роль уделялась, прежде всего, ландшафту, морской тематике, временам года и лишь немного образам растительного мира, также используются создания фигурки птиц, домов, лодок и др. образов.

Заключение

Японская культура во многих отношения уникальна. И даже столь краткое знакомство с художественной культурой Японии позволяет нам почувствовать всю ее самобытность и представить богатство, создававшееся на протяжении столь долгого времени. При всех изменениях, которые происходили в японской культуре на протяжении веков, природа всегда оставалась главным объектом внимания, центральной темой. В разные эпохи восприятие прекрасного менялось. В IX - XI веках под влиянием буддийского учения идеал красоты был связан с грустным очарованием. В XIV - XV веках дзэнские наставники открывали красоту в обыденном и неприметном. С развитием городской культуры в XVI- XVIII веках опять произошли изменения в понимании прекрасного. Но стремление найти и открыть эту красоту постоянно питало общую художественную направленность японской культуры, влияло на внутренний мир людей и их отношение к окружающему. Я думаю, это дает нам право заявить о том, что Япония - удивительная страна, чей путь развития не похож на развитие других стран.

Список используемой литературы

v http://www.waysamurai.ru

v http://www.krugosvet.ru

v http://www.cultline.ru

v http://www.refoman.ru

v http://www.artprojekt.ru

v http://www.japancalligraphy.eu/ru/

v "Открывая искусство Японии: исторический экскурс".Sadao, Tsuneko.

v Мировое искусство. Санкт-Петербург. СЗКЭО. «Кристалл». Москва. «Оникс».2007 г.

Подобные документы

Японская живопись как один из наиболее древних и изысканных видов искусств, отличающийся широким разнообразием жанров и стилей. Основная религия Японии. Древнее японское искусство создания цветочных композиций, его принципы. Искусство чайной церемонии.

реферат , добавлен 31.05.2016


Связь религии и искусства, их взаимоотношение. Возникновение и распространение буддизма, этапы и особенности. Искусство в Индии, его направление. Влияние школы чань на искусство в Китае. Вклад учения дзен в искусство Японии. Ламаизм и искусство.

реферат , добавлен 23.01.2011


Национальные особенности Японии: кимоно - традиционная одежда; каллиграфия - самый распространенный вид искусства; театр теней; искусство бонсай; икебана - искусство аранжировки, создание композиций из цветов. Описание некоторых блюд японской кухни.

презентация , добавлен 16.01.2012


Японская культура является неповторимым самобытным явлением не только в контексте общемировой культуры, но и в ряду других восточных культур. Культурные достопримечательности и праздники Японии. Сценическое искусство Японии и искусство аранжировки цветов.

контрольная работа , добавлен 04.08.2010


Отличительные признаки искусства эпохи Ренессанса. Исследование и подробный анализ известнейших произведений искусства изучаемого периода – литературы, живописи, драматургии. Оценка правомерности названия XVI–XVII вв. в Японии эпохой Возрождения.

курсовая работа , добавлен 03.01.2011


Характеристика традиций собирания в странах Востока. История появления в Японии Национальных музеев Нары, Киото и западного искусства в Токио. Развитие музейной сети государства в ХХ-ХХI вв. Направления коллекционирования крупных корпораций Японии.

курсовая работа , добавлен 30.03.2014


Характеристика источников возникновения сада. Влияние религии на развитие садово-паркового искусства Японии. Периодизация развития японского сада: Нара, Хейанский период и Дзенский сад. Функциональные требования к композиции и памятникам японского сада.

курсовая работа , добавлен 22.01.2014


Особенности и история развития белорусского изобразительного искусства, проявление взаимовлияния белорусской, русской, еврейской, украинской, польской культур. Роль в развитии живописи воспитанников Виленской школы живописи, ее яркие представители.

реферат , добавлен 02.01.2014


Культура Японии XV-XVII вв. - эпохи развитых феодальных отношений. Основные тенденции развития. Архитектура. Садовое искусство. Монохромная живопись. Чайная церемония. Строительство крепостных сооружений. Просвещение. Литература. Театр - Кабуки и Ноо.

дипломная работа , добавлен 26.04.2008


Характерные черты постмодернизма. Кубизм, футуризм и сюрреализм. Искусство декоративно-плоскостной миниатюры. Современное искусство живописи: сущность и особенности динамики. Белорусское изобразительное искусство как форма организации диалога культур.

Япония – самая маленькая страна Дальнего Востока - 372 тысячи квадратных километров. Но вклад, который Япония внесла в историю мировой культуры, не меньше, чем вклад больших древних государств.

Истоки искусства этой древней страны восходят к 8 тысячелетию до Р.Х. Но наиболее значительным этапом во всех областях её художественной жизни явился период, начавшийся в 6-7 веках от Р.Х. и затянувшийся до середины 19 века. Развитие японского искусства протекало неравномерно, но оно не знало слишком крутых переломов или резких спадов.

Японское искусство развивалось в особых природных и исторических условиях. Япония расположена на четырех крупных островах (Хонсю, Хоккайдо, Кюсю и Сиоку) и многих мелких. Долгое время она была неприступной и не знала внешних войн. Близость Японии к материку сказалась в установлении в древние времена контактов с Китаем и Кореей. Это ускорило развитие япоснкого искусства.

Японское средневековое искусство выросло под воздействием корейской и китайской культур. Японией была усвоена китайская письменность и черты китайского мировосприятия. Буддизм стал государственной религией Японии. Но японцы по-своему преломляли китайские идеи и приспосабливали их к своему образу жизни.

Японский дом, японский интерьер
Японский дом внутри так же ясен и прост, как и снаружи. В нем поддерживалась постоянная чистота. Отшлифованный до блеска пол покрывали светлыми соломенными циновками – татами, разделявшими комнату на ровные прямоугольники. Обувь снимали у порога, вещи содержали в стенных шкафах, кухня находилась отдельно от жилого помещения. В комнатах, как правило, не было постоянных вещей. Их вносили и уносили по мере надобности. Но каждая вещь в пустом помещении, будь то цветок в вазе, картина или лаковый столик, притягивала внимание и приобретала особую выразительность.

С оформлением пространства дома, храма, дворца или замка в средневековой Японии связанны все виды искусства. Каждый из них служил дополнением другого. Например искусно подобранный букет дополнял и оттенял настроения, переданные в пейзажной картине.

В изделиях декоративного искусства ощущалась та же безупречная точность, то же чувство материала, что и в отделке японского дома. Недаром при чайных церемониях, как самая большая драгоценность употреблялась посуда, вылепленная руками. Её мягкий и неровный черепок хранил след пальцев, лепивших сырую глину. Розово-жемчужный, бирюзово-лиловый или серо-голубой цвета поливы не были броскими, но в них ощущалось сияние самой природы, с жизнью которой связан каждый предмет японского искусства.

Японская керамика
Неглазурованные, вылепленные от руки и обожженные при невысокой температуре глиняные сосуды походили на керамику других древних народов. Но в них уже были особенности, присущие только японской культуре. В узорах разнообразных по форме кувшинов и блюд отразились представления о стихиях ураганов, морей и огнедышащих гор. Фантастика этих изделий словно была подсказана самой природой.

Массивные, достигающие почти метровой высоты кувшины с налепленным узором из выпуклых глиняных жгутов напоминают то извилистые раковины, то ветвистые коралловые рифы, то сплетения водорослей, то неровные края вулканов. Эти величественные и монументальные вазы, чаши служили не только бытовым, но и ритуальным целям. Но в середине 1-го тысячелетия до Р.Х. вошли в обиход изделия из бронзы и керамическая утварь утратила свое ритуальное назначение.

Рядом с керамическими появились новые изделия художественного ремесла – оружие, украшения, бронзовые колокола и зеркала.

Предметы быта японцев
В 9-12 веках нашей эры вкусы японской аристократии раскрылись в декоративных искусствах. Гладкие, не боящиеся влаги изделия из лака, присыпанные золотой и серебряной пудрой, легкие и нарядные, как бы освещали полумрак японских комнат, и составляли огромный круг предметов повседневности. Из лака создавались чаши и шкатулки, сундучки и столики, музыкальные инструменты. Каждая мелочь храмового и бытового обихода – серебряные приборы для еды, вазы для цветов, узорчатая бумага для писем, вышитые пояса – выявляла поэтическое и эмоциональное отношение японцев к миру.

Живопись Японии
С развитием монументального дворцового зодчества значительно активнее стала деятельность живописцев придворной школы. Художникам приходилось расписывать большие поверхности не только стен, но и многостворчатых бумажных складных ширм, которые играли в помещении роль и картин, и переносных перегородок. Особенностью творческой манеры талантливых мастеров стало выделение на обширной плоскости стенной панели или ширмы крупной, многоцветной детали пейзажа.

Исполненные Кано Эйтоку на золотых сияющих фонах густыми и сочными пятнами композиции цветов, трав, деревьев и птиц обобщали представления о мощи и великолепии мироздания. Представители школы Кано наряду с природными мотивами включали в росписи и новые сюжеты, отражающие жизнь и быт японского города 16 века.

На дворцовых ширмах располагались и монохромные пейзажи. Но в них появилась большая декоративная эффектность. Такова ширма, расписанная последователем Сэссю, Хасэгава Тохаку (1539-1610). Её белая матовая поверхность осмыслена живописцем как густая пелена тумана, из которого, как видения, внезапно вырываются силуэты старых сосен. Всего лишь немногими смелыми пятнами туши создает Тохаку поэтическую картину осеннего леса.

Монохромные пейзажные свитки с их неяркой красотой не могли соответствовать стилю дворцовых покоев. Но они сохранили значение как непреложная часть чайного павильона-тясицу, предназначенного для духовного сосредоточения и умиротворения.

Произведения искусства японских мастеров не только хранят верность древним стилям, но и всегда имеют в себе то новое, что нет ни у одного другого произведения искусства. В японском искусстве нет места штампам, шаблонам. В нем, как и в природе нет двух совершенно одинаковых творений. И даже сейчас произведения искусства японских мастеров нельзя спутать с произведениями искусства других стран. В японском искусстве время замедлило свой ход, но оно не остановилось. В японском искусстве традиции далекой древности дожили до наших дней.

Культура и Образование

Печатать страницу

ЯПОНСКОЕ ИСКУССТВО. С древнейших времен для японского искусства было характерно активное творческое начало. Несмотря на зависимость от Китая, где постоянно возникали новые художественные и эстетические направления, японские художники всегда вносили новые черты и изменяли искусство своих учителей, придавая ему японский облик.

История Японии как таковой начинает приобретать определенные формы только в конце 5 в. Предметов, относящихся к предшествующим столетиям (архаическому периоду), обнаружено сравнительно мало, хотя некоторые находки, сделанные во время раскопок или при строительных работах, говорят о замечательном художественном таланте.

Архаический период. Древнейшие произведения японского искусства – глиняные горшки типа дзёмон (оттиск шнура). Название происходит от украшения поверхности спиральными оттисками шнура, обмотанного вокруг палочек, которые использовал мастер при изготовлении сосуда. Возможно, вначале мастера случайно обнаружили оттиски плетенки, но затем их стали применять сознательно. Иногда на поверхность налепляли шнуровидные глиняные завитки, создававшие более сложный декоративный эффект, почти рельеф. В культуре Дзёмон возникла первая японская скульптура. Догу (букв. «глиняное изображение») человека или животного, вероятно, имели какое-то религиозное значение. Изображения людей, в основном женщин, очень похожи на глиняных богинь других примитивных культур.

Радиоуглеродный анализ показывает, что некоторые находки из культуры Дзёмон могут относиться к 6–5 тыс. до н.э., однако столь ранняя датировка не является общепринятой. Безусловно, такую посуду изготавливали на протяжении длительного времени, и хотя точные датировки пока не могут быть установлены, выделяют три периода. Древнейшие образцы имеют заостренное основание и почти не орнаментированы, если не считать следов орудия горшечника. Сосуды среднего периода более богато орнаментированы, иногда налепными элементами, создающими впечатление объемности. Формы сосудов третьего периода очень разнообразны, но декор снова уплощается и становится более сдержанным.

Приблизительно во 2 в. до н.э. керамика Дзёмон уступила место керамике Яёй, характеризующейся изяществом форм, простотой рисунка и высоким техническим качеством. Черепок сосуда стал тоньше, орнамент менее причудливым. Этот тип преобладал до 3 в. н.э.

С художественной точки зрения, возможно, лучшими произведениями раннего периода являются ханива, глиняные цилиндры, датирующиеся 3–5 вв. н.э. Характерные памятники этой эпохи – огромные холмы, или курганы, погребальные сооружения императоров и могущественной знати. Часто очень большого размера, они являются свидетельствами могущества и богатства императорской семьи и придворных. Постройка такого сооружения для императора Нинтоку-тенно (ок. 395–427 н.э.) потребовала 40 лет. Наиболее примечательной чертой этих курганов были окружающие их наподобие забора глиняные цилиндры, ханива. Обычно эти цилиндры были совершенно простыми, но иногда украшались человеческими фигурами, реже – фигурками лошадей, домов или петухов. Их назначение было двойным: предотвращать эрозию огромных масс земли и снабжать умершего тем необходимым, чем он пользовался в земной жизни. Естественно, цилиндры изготавливались сразу в большом количестве. Разнообразие тем, выражений лиц и жестов украшающих их фигурок – в значительной мере результат импровизации мастера. Несмотря на то, что это скорее произведения ремесленников, а не художников и скульпторов, они имеют большое значение как собственно японская художественная форма. Постройки, закутанные в попоны лошадки, чопорные дамы и воины представляют интересную картину военной жизни раннефеодальной Японии. Возможно, прототипы этих цилиндров появились в Китае, где различные предметы клали прямо в захоронения, но исполнение и способ применения ханива принадлежат местной традиции.

Архаический период часто рассматривают как время, лишенное произведений высокого художественного уровня, время доминирования вещей, обладающих в основном археологической и этнологической ценностью. Однако следует помнить, что произведения этой ранней культуры в целом обладали большой жизнеспособностью, поскольку их формы выжили и продолжали существовать как специфические национальные особенности японского искусства в более поздние периоды.

Период Асука (552–710 н.э.). Введение буддизма в середине 6 в. внесло существенные изменения в образ жизни и мышления японцев и стало толчком для развития искусства этого и последующих периодов. Приход буддизма из Китая через Корею традиционно датируется 552 н.э., однако, вероятно, он был известен и раньше. В первые годы буддизм столкнулся с политической оппозицией, с противодействием национальной религии синто, но всего через несколько десятилетий новая вера получила официальное одобрение и окончательно утвердилась. В первые годы проникновения в Японию буддизм был относительно простой религией с небольшим числом божеств, которые нуждались в изображениях, но через каких-нибудь сто лет он набрал силу, а пантеон чрезвычайно разросся.

В этот период основывались храмы, которые служили не только целям пропаганды веры, но были центрами искусства и образования. Монастырь-храм в Хорюдзи является одним из наиболее важных для изучения раннебуддийского искусства. Помимо других сокровищ там находится статуя великой триады Сяка-Нерай (623 н.э.). Это произведение Тори Бусси, первого известного нам великого японского скульптора, представляет собой стилизованное бронзовое изображение, подобное аналогичным группам в больших пещерных храмах Китая. В позе сидящего Сяки (японская транскрипция слова «шакьямуни», исторического Будды) и двух стоящих по сторонам его фигур соблюдается строгая фронтальность. Формы человеческой фигуры скрыты тяжелыми симметричными складками схематично переданных одежд, а в гладких удлиненных лицах чувствуются мечтательная самоуглубленность и созерцание. Скульптура этого первого буддийского периода основана на стиле и прототипах с материка пятидесятилетней давности; она верно следует за китайской традицией, пришедшей в Японию через Корею.

Некоторые из наиболее важных скульптурных изображений этого времени делались из бронзы, однако использовали и дерево. Две наиболее известные деревянные скульптуры – статуи богини Каннон: Юмэдоно Каннон и Кудара Каннон, обе – в Хорюдзи. Они представляют собой более привлекательный объект для поклонения, чем триада Сяки, с их архаическими улыбками и мечтательными выражениями лиц. Хотя у фигур Каннон расположение складок одежд тоже схематично и симметрично, они легче и полны движения. Высокие стройные фигуры подчеркивают одухотворенность лиц, их абстрактную доброту, отдаленную от всех мирских забот, но чуткую к мольбам страждущих. Скульптор уделил определенное внимание очертаниям фигуры Кудара Каннон, скрытой складками одежды, и в отличие от зубчатого силуэта Юмэдоно движение и фигуры, и ткани направлено в глубину. В профиль Кудара Каннон имеет изящные S-образные очертания.

Единственный сохранившийся образец живописи, дающий представление о стиле начала 7 в., – роспись Тамамуси Дзуси, «крылатого святилища». Это миниатюрное святилище получило название от радужных крыльев жуков, вставленных в перфорированную металлическую окантовку; позднее оно было украшено религиозными композициями и фигурами отдельных персонажей, выполненными цветным лаком. Подобно скульптуре этого периода, некоторые изображения свидетельствуют о большой свободе рисунка.

Период Нара (710–784). В 710 столица была перенесена в Нара, новый город, построенный по образцу китайской столицы Чанъань. Там были широкие улицы, большие дворцы, многочисленные буддийские храмы. Не только буддизм во всех его аспектах, но вся китайская культурная и политическая жизнь воспринималась как образец для подражания. Никакая другая страна, возможно, не ощущала в такой мере недостаточности собственной культуры и не была столь восприимчива к влияниям извне. Ученые и паломники свободно перемещались между Японией и континентом, а управление и дворцовая жизнь строились по образцу, существовавшему в Китае времен династии Тан. Однако надо помнить, что, несмотря на подражание образцам танского Китая, особенно в искусстве, воспринимая его влияние и стиль, японцы почти всегда приспосабливали чужие формы к своим собственным.

В скульптуре строгая фронтальность и симметрия предшествующего периода Асука уступили место более свободным формам. Развитие представлений о богах, возросшее техническое мастерство и свобода владения материалом позволяли художникам создавать более близкие и доступные культовые изображения. Основание новых буддийских сект расширило пантеон, в который были включены даже святые и основатели буддизма. Кроме бронзовой скульптуры известно большое количество произведений из дерева, глины и лака. Камень был редкостью и почти никогда не использовался для скульптуры. Сухой лак был особенно популярен, возможно, потому, что при всей сложности процесса приготовления состава произведения из него выглядели эффектнее деревянных и были прочнее, чем более простые в изготовлении глиняные изделия. Лаковые фигуры формировались на деревянной или глиняной основе, которая затем удалялась, или на деревянной или проволочной арматуре; они были легкими и прочными. Несмотря на то, что эта техника диктовала некоторую жесткость поз, в изображении лиц допускалась большая свобода, которая частично способствовала развитию того, что может быть названо собственно портретной скульптурой. Изображение лица божества исполнялось в соответствии со строгими предписаниями буддийских канонов, но популярность и даже обожествление некоторых основателей и проповедников веры предоставляли прекрасные возможности для передачи портретного сходства. Такое сходство прослеживается в скульптуре из сухого лака почитавшегося в Японии китайского патриарха Гэндзина, находящейся в храме Тосёдайдзи. Гэндзин был слеп, когда прибыл в Японию в 753, и его невидящие глаза и просветленное состояние внутреннего созерцания прекрасно переданы неизвестным скульптором. Эта реалистическая тенденция наиболее ярко выразилась в деревянной скульптуре проповедника Куя, созданной скульптором Косё в 13–14 вв. Проповедник одет как странствующий нищий с посохом, гонгом и колотушкой, а из его полуоткрытого рта выходят маленькие фигурки Будды. Не удовлетворившись изображением поющего монаха, скульптор предпринял попытку выразить сокровенный смысл его слов.

Большим реализмом отличаются и изображения Будды периода Нара. Созданные для постоянно увеличивавшегося числа храмов, они не столь невозмутимо холодны и сдержанны, как их предшественники, обладают более изящной красотой и благородством и обращены к поклоняющимся им людям с большей благосклонностью.

Сохранилось очень мало живописных произведений этого времени. На многоцветном рисунке на бумаге изображены прошлые и настоящие жизни Будды. Это – один из немногих древних образцов эмакимоно, или живописи на свитках. Свитки медленно разматывались справа налево, и зритель мог наслаждаться только тем участком картины, который находился между разворачивающими свиток руками. Иллюстрации находились прямо над текстом, в отличие от более поздних свитков, где участок текста чередовался с пояснительным изображением. В этих древнейших сохранившихся образцах свитковой живописи очерченные контуром фигуры располагаются на фоне едва намеченного пейзажа, причем центральное действующие лицо, в данном случае Сяка, появляется в различных эпизодах.

Ранний Хэйан (784–897). В 784 столица временно была перенесена в Нагаока, отчасти чтобы избежать преобладания буддийского духовенства Нары. В 794 она переместилась в Хэйан (ныне Киото), уже на более длительный срок. Конец 8 и 9 вв. были периодом, когда Япония успешно ассимилировала, приспосабливая к своим особенностям, многие заграничные новшества. Буддийская религия тоже переживала время перемен, появление новых сект эзотерического буддизма, с его разработанным ритуалом и этикетом. Из них наибольшим влиянием пользовались секты Тэндай и Сингон, которые зародились в Индии, достигли Китая и уже оттуда были привезены в Японию двумя учеными, вернувшимися на родину после долгого ученичества. Секта Сингон («Истинные слова») особенно понравилась при дворе и быстро заняла господствующее положение. Ее главные монастыри располагались на горе Коя близ Киото; как и другие важные буддийские центры, они стали хранилищем огромных коллекций памятников искусства.

Скульптура 9 в. была в основном деревянной. Изображения божеств отличались суровостью и недоступным величием, что подчеркивалось торжественностью их облика и массивностью. Драпировки искусно вырезались по стандартным образцам, волнами ложились шарфы. Стоящая фигура Сяки из храма в Муродзи – пример этого стиля. Для этого и подобных ему изображений 9 в. характерна жесткая резьба с более глубокими четкими складками и другими деталями.

Увеличение количества богов создавало большие трудности для художников. В сложных, похожих на карты мандалах (геометрический рисунок с магическим значением) божества в соответствии с иерархией располагались вокруг помещенного в центр Будды, который сам был лишь одним из проявлений абсолюта. В это время появилась новая манера изображения окруженных пламенем фигур божеств-охранителей, ужасных по виду, но благодетельных по природе. Эти божества располагались асимметрично и изображались в подвижных позах, с грозными чертами лиц, яростно защищающими веру от возможных опасностей.

Средний и Поздний Хэйан, или период Фудзивара (898–1185). Перенос столицы в Хэйан, имевший целью уклониться от трудновыполнимых требований духовенства, вызвал перемены и в политической системе. Знать была доминирующей силой, и наиболее характерными ее представителями стала семья Фудзивара. Период 10–12 вв. часто ассоциируется с этим именем. Начинался период особой власти, когда настоящим императорам «настоятельно советовали» оставить в стороне дела государства ради более приятных занятий поэзией и живописью. До достижения совершеннолетия императором руководил строгий регент – обычно из семьи Фудзивара. Это был век роскоши и замечательных достижений в литературе, каллиграфии и искусстве; во всем чувствовалась томность и эмоциональность, которая редко достигала глубины, но в целом была очаровательна. Элегантная утонченность и бегство от действительности отразились в искусстве этого времени. Даже приверженцы буддизма искали более легких путей, и особенно популярным стало поклонение небесному Будде, Амида. Представления о сострадании и спасительной милости Будды Амида глубоко отразились в живописи и скульптуре этого периода. Массивность и сдержанность статуй 9 в. в 10–11 вв. уступили место неге и очарованию. Божества изображаются мечтательными, задумчиво-спокойными, резьба становится менее глубокой, поверхность – более красочной, с богато разработанной фактурой. Наиболее важные памятники этого периода принадлежат скульптору Дзётё.

Произведения художников тоже приобрели более мягкие черты, напоминая рисунки на ткани, и даже ужасные божества – защитники веры стали менее устрашающими. Сутры (буддийские тексты) писали золотом и серебром на бумаге глубокого синего тона, прекрасной каллиграфии текста часто предшествовала небольшая иллюстрация. Наиболее популярные направления буддизма и связанные с ними божества отражают предпочтения аристократии и постепенный отход от суровых идеалов раннего буддизма.

Атмосфера этого времени и его произведения частично связаны и с прекращением формальных отношений с Китаем в 894. Буддизм в Китае в это время подвергался гонениям, и коррумпированный танский двор находился в состоянии упадка. Последовавшее за этим прекращением связей замкнутое островное существование побудило японцев обратиться к собственной культуре и выработать новый, более чистый японский стиль. Действительно, светская живопись 10–12 вв. была почти полностью японской – и в технике, и в композиции и сюжетах. Отличительной особенностью этих японских свитков, называвшихся ямато-э, было преобладание сюжетов энги (происхождение, история). В то время как на китайских свитках чаще всего изображалась необъятная удивительная природа, панорамы гор, потоков, скал и деревьев, а люди представлялись относительно незначительными, на повествовательных свитках японцев в рисунке и тексте главным был человек. Ландшафт играл лишь роль фона для рассказываемой истории, подчиненного главному действующему лицу или лицам. Многие свитки представляли собой рисованные летописи жизни известных буддийских проповедников или исторических деятелей, их путешествия и военные походы. Другие повествовали о романтических эпизодах из жизни знати и придворных.

Явно своеобразный стиль ранних свитков происходил от простых набросков тушью на страницах буддийских тетрадей. Это искусные рисунки, карикатурно передающие человеческое поведение через образы животных: обезьяна в монашеской одежде, поклоняющаяся надутой лягушке, состязания между зайцами, обезьянами и лягушками. Эти и другие свитки позднего Хэйана послужили основой более сложных повествовательных свитков развитого стиля 13–14 вв.

Период Камакура (1185–1392). Конец 12 в. принес серьезные изменения в политическую и религиозную жизнь Японии и, конечно, в ее искусство. Элегантность и эстетизм двора Киото сменился или, в традициях «особого» правления, «получил дополнение» в виде нового, сурового и мужественного правления – сёгуната Камакура. Хотя столицей номинально оставался Киото, сёгун Минамото-но Ёритомо (1147–1199) учредил свою штаб-квартиру в городе Камакура и всего за 25 лет установил жесткую систему военной диктатуры и феодализма. Буддизм, который стал столь сложным и ритуализованным, что был малопонятен для простых мирян, также претерпел серьезные изменения, отнюдь не обещавшие покровительства искусствам. Секта Йодо («Чистая Земля»), разновидность почитания Будды Амида, под руководством Хонэна Сёнина (1133–1212) реформировала иерархию будд и божеств и дала надежду на спасение всем, кто просто верил в Амида. Эта доктрина легко достижимого рая позже была упрощена другим монахом, Синраном (1173–1262), основателем секты Син, признававшей, что снисхождение Амиды столь велико, что нет необходимости в совершении религиозных актов, достаточно просто повторять заклинание «Наму Амида Бутсу» (первое слово означает «подчиняться»; вторые два – «Будда Амида»). Такой простой способ спасения души был крайне привлекателен, и сейчас им пользуются миллионы. Поколением позже воинствующий проповедник Нитирен (1222–1282), именем которого названа секта, отказался от этой упрощенной формы религии. Его последователи почитали Сутру Лотоса, которая не обещала мгновенного и безусловного спасения. В проповедях он нередко касался политических тем, а его убеждения и предлагаемые реформы церкви и государства пришлись по душе новому воинскому классу в Камакуре. Наконец, философия дзэн, возникшая еще в 8 в., начала играть все большую роль в буддийской мысли этого периода. Дзэн подчеркивала важность медитации и презрение к любым изображениям, которые могли помешать человеку в его стремлении соединиться с богом.

Итак, это было время, когда религиозная мысль ограничила количество произведений живописи и скульптуры, прежде необходимых для культа. Тем не менее в период Камакура были созданы одни из прекраснейших произведений японского искусства. Стимулом служила присущая японцам любовь к искусству, но ключ к разгадке – в отношении народа к новым вероучениям, а не в догматах как таковых. Действительно, сами произведения подсказывают причину своего создания, ведь многие из этих полных жизни и энергии скульптур и живописных произведений – портреты. Хотя философия дзэн могла счесть обычные предметы религиозного культа преградой на пути к просветлению, традиция почитания учителей была вполне приемлема. Портрет сам по себе не мог быть предметом поклонения. Такое отношение к портрету было свойственно не только дзэн-буддизму: многие служители секты Чистой Земли почитались почти как буддийские божества. Благодаря портрету даже появилась новая архитектурная форма – миэйдо, или портретная капелла. Бурное развитие реализма было полностью в духе времени.

Несмотря на то, что живописные портреты жрецов, очевидно, действительно являлись изображениями конкретных людей, они часто представляли собой переработки картин с изображением китайских основателей буддизма. Их рисовали проповедующими, рты открыты, руки жестикулируют; иногда изображались нищенствующие монахи, совершающие трудный путь во славу веры.

Одним из самых популярных сюжетов был райго (желанный приход), где изображался Будда Амида со своими спутниками, спускающийся на облаке, чтобы на смертном одре спасти душу верующего и перенести ее в рай. Краски таких изображений часто были усилены накладным золотом, а волнистые линии, развевающиеся накидки, клубящиеся облака придавали ощущение движения сошествию Будды.

Ункэй, работавший во второй половине 12 и начале 13 в., был автором новшества, которое облегчило резьбу по дереву, остававшемуся в период Камакура излюбленным материалом скульпторов. Прежде мастер был ограничен размерами и формой колоды или бревна, из которого вырезалась фигура. Руки и элементы одежды накладывались отдельно, но законченное произведение часто напоминало исходную цилиндрическую форму. В новой технике десятки мелких кусочков тщательно подгонялись друг к другу, образуя полую пирамиду, из которой затем подмастерья могли начерно вырезать фигуру. Скульптор получал в свое распоряжение более податливый материал и возможность создавать более сложные формы. Мускулистые храмовые стражи и божества в развевающихся накидках и одеждах казались более живыми еще и оттого, что в их глазные впадины стали вставлять хрусталь или стекло; статуи начали украшать позолоченной бронзой. Они стали более легкими и реже растрескивались по мере высыхания дерева. Упоминавшаяся деревянная статуя Куя Сёнина, работы Косё, сына Ункэя, демонстрирует высшее достижение реализма эпохи Камакура в портретной скульптуре. Действительно, скульптура в это время достигла апогея в своем развитии, и впоследствии она уже не занимала столь видного места в искусстве.

Светская живопись также отражала дух времени. Повествовательные свитки позднехэйанского периода в сдержанной колористической гамме и изящных линиях рассказывали о романтических эскападах принца Гэндзи или о развлечениях ведущих затворнический образ жизни придворных дам. Теперь яркими красками и энергичными мазками художники эпохи Камакура изображали битвы враждующих кланов, охваченные пламенем дворцы и испуганных людей, бегущих от нападающих войск. Даже когда на свитке разворачивалась религиозная история, изображение было не столько иконой, сколько историческим свидетельством о путешествиях святых людей и сотворенных ими чудесах. В оформлении этих сюжетов можно обнаружить растущую любовь к природе и восхищение родными пейзажами.

Муромати, или период Асикага (1392–1568). В 1392, после более чем 50 лет раздоров, третий сёгун семейства Асикага, Йосимицу (1358–1408), вновь объединил страну. Местом расположения правительства снова стала номинальная столица Киото, где сёгуны Асикага в квартале Муромати построили свои дворцы. (Этот период называют то Муромати, то Асикага.) Военное время не пощадило многих храмов – хранилищ японского искусства, которые были сожжены вместе с находившимися там сокровищами. Страна была жестоко разорена, и даже мир не принес большого облегчения, так как враждующие кланы, добиваясь успеха, раздавали милости по своей прихоти. Казалось бы, ситуация была крайне неблагоприятной для развития искусства, однако в действительности сёгуны Асикага покровительствовали ему, особенно в 15–16 вв., когда процветала живопись.

Наиболее значительным явлением искусства этого времени были монохромные поэтические изображения тушью, поощрявшиеся дзэн-буддизмом и находившиеся под влиянием китайских образцов династий Сун и Юань. В период династии Мин (1368–1644) с Китаем были возобновлены контакты, и Йосимицу, коллекционер и покровитель искусств, поощрял коллекционирование и изучение китайской живописи. Она стала образцом и отправной точкой для одаренных художников, которые легкими и беглыми мазками кисти рисовали пейзажи, птиц, цветы, изображения священнослужителей и мудрецов. Японская живопись этого времени характеризуется экономностью линии; художник словно извлекает квинтэссенцию изображаемого сюжета, предоставляя взору зрителя наполнить его деталями. Переходы серой и блестящей черной туши в этих картинах очень близки философии дзэн, которая, безусловно, вдохновляла их авторов. Хотя это вероучение достигло значительного влияния еще при военной власти Камакура, оно продолжало быстро распространяться в 15–16 вв., когда возникли многочисленные дзэнские монастыри. Проповедуя в основном идею «самоспасения», оно не связывало спасение с Буддой, но более полагалась на суровую самодисциплину человека для достижения внезапного интуитивного «просветления», объединяющего его с абсолютом. Экономное, но смелое использование туши и асимметричная композиция, в которой неокрашенные части бумаги играли значительную роль в изображениях идеализированных ландшафтов, мудрецов и ученых, соответствовали этой философии.

Одним из наиболее знаменитых представителей направления суми-э, стиля монохромной живописи тушью, был Сэссю (1420–1506), дзэнский священник, чья долгая и плодотворная жизнь обеспечила ему длительное почитание. В конце жизни он стал применять манеру хабоку (быстрой туши), которая, в противоположность зрелому стилю, требовавшему четких, экономных мазков, доводила традицию монохромной живописи почти до абстракции.

На этот же период приходится деятельность семьи художников Кано и развитие их стиля. По выбору сюжетов и использованию туши он был близок к китайскому, однако по выразительным средствам оставался японским. Кано при поддержке сёгуната стал «официальной» школой или художественным стилем живописи и процветал еще и в 19 в.

Наивная традиция ямато-э продолжала жить в произведениях школы Тоса, второго важного направления японской живописи. На самом деле в это время обе школы, Кано и Тоса, были тесно связаны, их объединял интерес к современной жизни. Мотонобу Кано (1476–1559), один из выдающихся художников этого периода, не только выдал свою дочь за известного художника Тоса, но и писал в его манере.

В 15–16 вв. появилось всего несколько достойных внимания произведений скульптуры. Надо отметить, однако, что развитие драмы ноо, с ее разнообразием настроений и эмоций, открыло перед скульпторами новое поле деятельности – они вырезали маски для актеров. В классической японской драме, исполнявшейся аристократией и для аристократии, актеры (один или более) носили маски. Они передавали гамму чувств от страха, тревоги и растерянности до сдержанной радости. Некоторые маски были так великолепно вырезаны, что малейший поворот головы актера вызывал тонкие изменения выражения чувств. Замечательные образцы этих масок хранились годами в семьях, для членов которых они были изготовлены.

Период Момояма (1568–1615). В 1593 великий военный диктатор Хидэёси построил свой замок на Момояме, «Персиковом Холме», и этим именем принято определять период в 47 лет от падения сёгуната Асикага до утверждения Токугава, или периода Эдо, в 1615. Это было время доминирования совершенно нового воинского класса, чье большое богатство способствовало процветанию искусства. Впечатляющие замки с обширными залами для аудиенций и длинными коридорами вошли в моду в конце 16 в. и требовали украшений, соответствующих их величию. Это было время суровых и мужественных людей, и новые покровители, в отличие от прежней аристократии, не особенно интересовались интеллектуальными поисками или тонкостями мастерства. К счастью, новое поколение художников вполне соответствовало своим покровителям. В этот период появились замечательные ширмы и подвижные панели яркого малинового, изумрудного, зеленого, фиолетового и синего цветов. Такие буйные цвета и декоративные формы, часто на золотом или серебряном фоне, были очень популярны в течение ста лет, а их создателей весьма справедливо называли «великими декораторами». Благодаря тонкому японскому вкусу пышный стиль не перерос в вульгарность, и даже когда сдержанность и недосказанность уступили место роскоши и декоративным излишествам, японцам удавалось сохранить элегантность.

Эйтоку Кано (1543–1590), один из первых великих художников этого периода, работал в стиле Кано и Тоса, расширив представления о рисунке первого и сочетая их с богатством красок второго. Хотя сохранилось всего несколько произведений, автором которых можно с уверенностью назвать Эйтоку, он считается одним из основателей стиля Момояма, и большинство из художников этого периода были его учениками или находились под его влиянием.

Эдо, или период Токугава (1615–1867). Долгий период мира, наступивший для снова объединенной Японии, называется или временем Токугава, по фамилии правителя, или Эдо (современный Токио), поскольку в 1603 этот город стал новым центром власти. Два знаменитых генерала непродолжительного периода Момояма, Ода Нобунага (1534–1582) и Тойотоми Хидэёси (1536–1598), при помощи военных действий и дипломатии сумели наконец примирить могущественные кланы и воинствующее духовенство. Со смертью Хидэёси в 1598 власть перешла к Иэясу Токугава (1542–1616), который завершил начатые совместно мероприятия. Решительная битва при Сэкигахара в 1600 укрепила позиции Иэясу, падение замка Оска в 1615 сопровождалось окончательным крахом дома Хидэёси и установлением безраздельного владычества сёгуната Токугава.

Мирное правление Токугава длилось 15 поколений и завершилось лишь в 19 в. Это был в основном период политики «закрытых дверей». Декретом 1640 иностранцам был запрещен доступ в Японию, а японцы не могли выезжать за границу. Единственная коммерческая и культурная связь была с голландцами и китайцами через порт Нагасаки. Как и в другие периоды изоляции, наблюдался подъем национальных чувств и возникновение в конце 17 в. так называемой школы жанровой живописи и гравюры.

Быстро растущая столица Эдо стала центром не только политической и деловой жизни островной империи, но и центром искусств и ремесел. Требование, чтобы даймё, провинциальные феодалы, в течение определенной части каждого года находились в столице, порождало потребность в новых, в том числе дворцовых сооружениях, а значит, и в художниках для их убранства. Одновременно возникший класс богатых, но не принадлежащих к аристократии купцов оказывал новое и часто непрофессиональное покровительство художникам.

Искусство раннего периода Эдо отчасти продолжает и разрабатывает стиль Момояма, усиливая в нем тенденции к роскоши и великолепию. Продолжает развиваться унаследованное от предшествующего периода богатство причудливых образов и полихромия. Этот декоративный стиль достиг наивысшего расцвета в последней четверти 17 в. в т.н. эру Генроку периода Токугава (1688–1703). В японском декоративном искусстве он не имеет параллелей по экстравагантности и богатству цвета и декоративных мотивов в живописи, тканях, лаке, в художественных мелочах – атрибутах роскошного образа жизни.

Поскольку речь идет об относительно позднем периоде истории, неудивительно, что сохранились имена многих художников и их произведения; здесь возможно назвать лишь несколько наиболее выдающихся. Среди представителей декоративной школы, живших и работавших в периоды Момояма и Эдо, – Хоннами Коэцу (1558–1637) и Нономура Сотацу (ум. 1643). Их работы демонстрируют замечательное чувство рисунка, композиции и цвета. Коэцу, талантливый керамист и художник лаковых изделий, был известен красотой своей каллиграфии. Вместе с Сотацу они создавали модные в то время поэмы на свитках. В этом сочетании литературы, каллиграфии и живописи изображения не были простыми иллюстрациями: они создавали или предполагали настроение, соответствующее восприятию текста. Огата Корин (1658–1716) был одним из наследников декоративного стиля и вместе со своим младшим братом Огата Кэндзан (1663–1743) довел его технику до совершенства. Кэндзан, более известный как керамист, чем как художник, обжигал сосуды с нанесенными на них рисунками своего знаменитого старшего брата. Возрождение этой школы в начале 19 в. поэтом и художником Сакаи Хоицу (1761–1828) было последним всплеском декоративного стиля. Красивые свитки и ширмы Хорицу сочетали чувство рисунка Корина с интересом к природе, присущим натурализму школы Маруяма, что выразилось в богатстве цвета и декоративных мотивов, присущем более раннему периоду, которое сдерживалось великолепием и изяществом мазка.

Вместе с полихромным декоративным стилем продолжал оставаться популярным традиционный рисунок тушью школы Кано. В 1622 Кано Танъю (1602–1674) был назначен придворным художником сёгуна и вызван в Эдо. С его назначением на эту должность и созданием школы живописи Кано в Эдо, в Кобикито, наступил полувековой период художественного лидерства этой традиции, который вернул семейству Кано выдающееся положение и сделал произведения периода Эдо наиболее значительными в живописи Кано. Несмотря на популярность расписанных золотом и яркими красками ширм, создававшихся «великими декораторами» и соперниками, Танъю благодаря силе своего таланта и официальному положению смог сделать популярной среди знати живопись возрожденной школы Кано. К традиционным особенностям школы Кано Танъю добавил мощь и простоту, основанную на жесткой прерывистой линии и продуманном расположении элементов композиции на большой свободной поверхности.

Новое направление, в котором главной чертой был интерес к природе, стало преобладать в конце 18 в. Маруяма Окё (1733–1795), глава новой школы, был крестьянином, затем стал священнослужителем и наконец художником. Первые два занятия не принесли ему ни счастья, ни успеха, зато как художник он достиг больших высот и считается основателем реалистической школы Маруяма. Он учился у мастера школы Кано Исида Ютэи (ум. ок. 1785); на основе привозных голландских гравюр он постиг западную технику перспективного изображения, а иногда просто копировал эти гравюры. Он изучал также китайские стили времен династий Сун и Юань, в том числе тонкий и реалистичный стиль Чэнь Суаня (1235–1290) и Шен Нанпина; последний жил в Нагасаки в начале 18 в. Окё сделал много работ с натуры, и его научные наблюдения послужили базой для восприятия природы, на котором основывалась школа Маруяма.

Кроме интереса к натурализму в 18 в. возобновилось влияние китайской художественной традиции. Представители этого направления тяготели к живописной школе художников-ученых эпохи Мин (1368–1644) и Цин (1644–1912), хотя, вероятно, их представления о современном состоянии искусства в Китае были ограниченны. Искусство этой японской школы называлось будзинга (искусство образованных людей). Одним из наиболее влиятельных мастеров, работавших в стиле будзинга, был Икэно Тайга (1723–1776), известный художник и каллиграф. Для его зрелого стиля характерны толстые контурные линии, заполненные легкими перистыми штрихами светлых тонов и туши; он писал и широкими, свободными мазками черной туши, изображая склоненные под ветром и дождем стволы бамбука. Короткими изогнутыми линиями он достигал эффекта, напоминающего гравюры, в изображении туманных гор над окруженным лесом озером.

17 в. породил еще одно замечательное направление искусства периода Эдо. Это так называемое укиё-э (картины меняющегося мира) – жанровые сцены, создававшиеся простым народом и для него. Ранние укиё-э появились в старой столице Киото и были в основном живописными. Но центр их изготовления скоро переместился в Эдо, и внимание мастеров сосредоточилось на гравюре на дереве. Тесная связь гравюры на дереве с укиё-э привела к неверному представлению, что гравюра на дереве была открытием этого периода; на самом деле она возникла еще в 11 в. Такие ранние изображения носили вотивный характер, на них изображались основатели буддизма и божества, а в период Камакура некоторые повествовательные свитки воспроизводились с резных блоков. Однако особенно популярным искусство гравюры стало в период с середины 17 и вплоть до 19 в.

Предметами изображения гравюр укиё-э были прекрасные куртизанки веселых кварталов, любимые актеры и сцены из драм. Ранние, т.н. примитивные гравюры были исполнены в черном цвете, с сильными ритмичными волнистыми линиями, и отличались простым рисунком. Их иногда раскрашивали от руки в оранжево-красный цвет, называвшийся тан-э (ярко-красные картины), с отметками желто-горчичного и зеленого цветов. Некоторые из «примитивных» художников использовали ручную роспись, называвшуюся урусю-э (лаковая живопись), в которой темные участки усиливались и становились более яркими благодаря добавлению клея. Ранняя многоцветная гравюра, появившаяся в 1741 или 1742, называлась бэнидзури-э (малиновая гравюра) и обычно использовала три цвета – розово-красный, зеленый и иногда желтый. По-настоящему многоцветные гравюры, использовавшие всю палитру и называвшиеся нисики-э (парчовые изображения), появились в 1765.

Кроме создания отдельных оттисков многие из граверов иллюстрировали книги и зарабатывали изготовлением эротических иллюстраций в книгах и на свитках. Следует иметь в виду, что гравюра укиё-э складывалась из трех видов деятельности: это был труд рисовальщика, чье имя носил оттиск, резчика и печатника.

Родоначальником традиции создания гравюр укиё-э считается Хисикава Моронобу (ок. 1625–1694). Другие «примитивные» художники этого направления – Киёмасу (1694–1716) и группа Кайгэцудо (странное содружество художников, время существования которого остается неясным), а также Окумура Масанобу (1686–1764).

Художниками переходного периода, создавшими гравюру бэнидзури-э, были Исикава Тоёнобу (1711–1785), Тории Киёхиро (работал ок. 1751–1760) и Тории Киёмицу (1735–1785).

Произведения Судзуки Харунобу (1725–1770) открывают эпоху полихромной гравюры. Исполненные мягкими, почти нейтральными красками, населенные изящными дамами и галантными любовниками, гравюры Харунобу имели большой успех. Примерно в одно время с ним работали Кацукава Сюнсё (1726–1792), Тории Киенага (1752–1815) и Китагава Утамаро (1753–1806). Каждый из них внес свой вклад в развитие этого жанра; мастера довели гравюры с изображением изящных красавиц и знаменитых актеров до совершенства. За несколько месяцев в 1794–1795 таинственный Тосусаи Сараку создал потрясающе сильные и откровенно жестокие портреты актеров тех дней.

В первые десятилетия 19 в. этот жанр достиг зрелости и начал клониться к упадку. Кацусика Хокусай (1760–1849) и Андо Хиросигэ (1797–1858) – величайшие мастера эпохи, творчество которых соединяет закат искусства гравюры 19 в. и его новое возрождение в начале 20 в. Оба были в первую очередь пейзажистами, фиксировавшими в своих гравюрах события современной жизни. Блестящее владение техникой резчиков и печатников позволяло передавать в гравюре прихотливые линии и малейшие оттенки заходящего солнца или поднимающегося на заре тумана.

Реставрация Мэйдзи и современный период. Часто бывает так, что древнее искусство того или иного народа бедно именами, датами и сохранившимися произведениями, поэтому какие-либо суждения можно выносить лишь с большой осторожностью и условностью. Однако судить о современном искусстве не менее трудно, поскольку мы лишены исторической перспективы, чтобы верно оценить масштаб какого-либо направления или художника и его творчества. Изучение японского искусства не представляет исключения, и самое большее, что можно сделать, это представить панораму современного искусства и сделать некоторые условные предварительные выводы.

Во второй половине 19 в. были вновь открыты для торговли японские порты, на политической сцене произошли серьезные изменения. В 1868 был упразднен сёгунат и восстановлено правление императора Мэйдзи. Официальная столица и резиденция императора были перенесены в Эдо, а сам город стал называться Токио (восточная столица).

Как это случалось и в прошлом, конец национальной изоляции вызвал большой интерес к достижениям других наций. В это время японцы совершили огромный скачок в сфере науки и техники. В художественном отношении начало эпохи Мэйдзи (1868–1912) демонстрирует приятие всего западного, включая технику. Однако это рвение продолжалось недолго, и за ним последовал период ассимиляции, возникновения новых форм, сочетающих возвращение к собственным традициям и новые западные веяния.

Среди художников приобрели известность Кано Хогай (1828–1888), Симомура Кандзан (1873–1916), Такэути Сэйхо (1864–1924) и Томиока Тэссай (1836–1942). Первые трое придерживались традиционного японского стиля и сюжетов, хотя и стремились проявить оригинальность в настроении и технике. Сэйхо, например, работал в спокойной и консервативной атмосфере Киото. Его ранние произведения созданы в натуралистической манере Маруяма, но позже он много путешествовал по Китаю и испытал глубокое влияние китайской живописи тушью. Его поездки по музеям и ведущим художественным центрам Европы также оставили след в его работах. Из всех выдающихся художников этого времени только один Томиока Тэссай близко подошел к разработке нового стиля. В его энергичных и полных силы произведениях грубые искривленные неровные линии и пятна черной туши сочетаются с тонко выписанными участками цвета. В более поздние годы некоторые молодые художники, работавшие маслом, добились успеха там, где их деды потерпели неудачу. Первые попытки работы с этим непривычным материалом напоминали парижские холсты и не отличались ни особой ценностью, ни специфически японскими чертами. Однако в настоящее время создаются работы исключительной привлекательности, в которых через абстрактные темы просвечивает характерное японское чувство цвета и уравновешенности. Другие художники, работая с более естественной и традиционной тушью и иногда используя каллиграфию как исходный мотив, создают энергичные абстрактные произведения в блестящих черных тонах с оттенками серого.

Как и в период Эдо, в 19–20 вв. скульптура не была популярной. Но и в этой области представители современного поколения, обучавшиеся в Америке и Европе, экспериментировали весьма успешно. Небольшие бронзовые скульптуры, абстрактные по форме и со странными названиями, демонстрируют свойственное японцам чувство линии и цвета, что проявляется в использовании мягкой зеленой или теплой коричневой патины; резьба по дереву свидетельствует о любви японцев к фактуре материала.

Сосаку ханга, японская «творческая печать», появилась лишь в первое десятилетие 20 в., но как особое направление искусства она затмила все другие области современного искусства. Эта современная гравюра, строго говоря, не является преемницей более старой гравюры на дереве укиё-э; они различаются по стилю, сюжетам и способам создания. Художники, многие из которых находились под сильным влиянием западной живописи, осознали важность собственного художественного наследия и нашли в дереве подходящий материал для выражения своих творческих идеалов. Мастера ханга не только рисуют, но и вырезают изображения на деревянных блоках и сами их печатают. Хотя в этом виде искусства наивысшие достижения связаны с работами на дереве, применяются все современные западные техники гравюры. Эксперименты с листьями, бечевками и «найденными предметами» в некоторых случаях позволяют создать уникальные эффекты фактуры поверхности. Вначале мастера этого направления были вынуждены добиваться признания: ведь даже лучшие достижения школы укиё-э художники-интеллектуалы связывали с неграмотной толпой и считали плебейским искусством. Такие художники, как Онти Косиро, Хирацука Унъити и Маэкава Сэмпан, много сделали для того, чтобы вернуть уважение к гравюре и утвердить это направление как достойную ветвь изящных искусств. Они привлекли много молодых художников в свою группу, и граверы сейчас исчисляются сотнями. Среди мастеров этого поколения, достигших признания в Японии и на Западе, – Адзэти Умэтаро, Мунаката Сико, Ямагучи Ген и Сайто Киёси. Это мастера, чье новаторство и бесспорный талант позволили им занять достойное положение среди ведущих художников Японии. Многие из их ровесников и других, более молодых художников ханга, тоже создали замечательные гравюры; то, что мы не упоминаем здесь их имена, не означает низкой оценки их творчества.

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО, АРХИТЕКТУРА И САДЫ В предыдущих разделах речь шла преимущественно о живописи и скульптуре, которые в большинстве стран считаются главными видами изобразительного искусства. Может быть, несправедливо относить в конец статьи декоративное искусство и народные ремесла, искусство садов и архитектуру – формы, которые составляли важную и неотъемлемую часть японского искусства. Однако, возможно, за исключением архитектуры, они требуют особого рассмотрения вне связи с общей периодизацией японского искусства и с изменениями стиля.

Керамика и фарфор. К наиболее важным видам декоративно-прикладного искусства в Японии относятся керамика и фарфор. Керамическое искусство естественно делится на две категории. Прекрасный полихромный фарфор Имари, Набэсима и Какиэмон получил название от мест производства, и его богатая роспись на кремовой или голубовато-белой поверхности предназначалась для знати и придворных кругов. Процесс изготовления настоящего фарфора стал известен в Японии в конце 16 или начале 17 в.; тарелки и чаши с гладкой глазурью, с асимметричным или напоминающим парчу рисунком, ценятся как на родине, так и на Западе.

В отличие от фарфора в грубой посуде из глины или каменной массы невысокого качества, характерной для Сино, Орибэ и Бидзена, внимание акцентируется на материале, казалось бы небрежном, но продуманном расположении декоративных элементов. Создававшиеся под влиянием концепций дзэн-буддизма, такие сосуды были очень популярны в интеллектуальных кругах и широко использовались, особенно в чайных церемониях. Во многих чашках, чайниках и чайницах, атрибутах искусства чайной церемонии, воплотилась сама суть дзэн-буддизма: жесткая самодисциплина и строгая простота. В период расцвета японского декоративного искусства талантливые художники Корин и Кэндзан занимались декором керамических изделий. Следует вспомнить, что слава Кэндзана связана более с его талантом керамиста, а не живописца. Некоторые из наиболее простых типов и техник изготовления сосудов происходят из традиций народного ремесла. Современные мастерские, продолжая старые традиции, изготавливают прекрасные изделия, восхищающие своей элегантной простотой.

См. также КЕРАМИКА ДАЛЬНЕГО ВОСТОКА; СТЕКЛО ХУДОЖЕСТВЕННОЕ.

Лаковые изделия. Уже в 7–8 вв. лак был известен в Японии. От этого времени сохранились крышки шкатулок, украшенные изображениями людей и геометрическими мотивами, нанесенными тонкими золотыми линиями. Мы уже говорили о важности техники сухого лака для скульптуры 8–9 вв.; в это же время и позднее делались декоративные предметы типа шкатулок для писем или коробочек для благовоний. В период Эдо эти изделия изготавливались в большом количестве и с наиболее пышным декором. Роскошно украшенные коробочки для завтраков, для пирожных, для благовоний и лекарств, называвшиеся инро, отражали богатство и любовь к роскоши, присущие этому времени. Поверхность предметов украшалась узорами из золотого и серебряного порошка, кусочков золотой фольги, отдельно или в комбинации с инкрустациями раковинами, перламутром, сплавом олова и свинца и т.п.; эти узоры контрастировали с лакированной красной, черной или коричневой поверхностью. Иногда рисунки для лаков делали художники, например Корин и Коэцу, однако вряд ли они лично участвовали в этих работах.

См. также ЛАКИ ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ.

Мечи. Японцы, как уже было сказано, в течение значительного периода своей истории были народом воинов; оружие и доспехи считались предметами первой необходимости для большой части населения. Меч был гордостью мужчины; как сам клинок, так и все остальные части меча, особенно рукоятка (цуба), украшались в различных техниках. Цуба из железа или бронзы украшали инкрустациями из золота и серебра, покрывали резьбой или отделывали и тем, и другим. На них изображали пейзажи или фигуры людей, цветы или фамильные гербы (мон). Все это дополняло работу изготовителей мечей.

Ткани. Богатые узорчатые шелковые и другие ткани, любимые двором и духовенством во времена пышности и изобилия, а также простые ткани с почти примитивным рисунком, характерным для народного искусства, также являются выражением национального японского таланта. Достигнув высшего расцвета в богатую эпоху Генроку, искусство текстиля вновь расцвело в современной Японии. В нем идеи и искусственные волокна с Запада удачно сочетаются с традиционными расцветками и декоративными мотивами.

Сады. В последние десятилетия интерес к японским садам и архитектуре усилился благодаря более широкому знакомству западной публики с этими формами искусства. Сады в Японии занимают особое место; они являются выражением и символом высоких религиозных и философских истин, и эти неясные, символические обертоны, сочетающиеся с очевидной красотой садов, вызывают интерес западного мира. Нельзя сказать, что религиозные или философские идеи были главной причиной создания садов, но при планировании и создании сада художник-планировщик обдумывал такие элементы, созерцание которых приведет зрителя к размышлению о различных философских истинах. Здесь созерцательный аспект дзэн-буддизма воплощается в группе необычных камней, волнах выровненного граблями песка и гравия, сочетающихся с дерном, или растениях, расположенных так, что ручеек за ними то исчезает, то вновь появляется, – все это побуждает зрителя самостоятельно завершить заложенные при сооружении сада идеи. Предпочтение неясному намеку перед доходчивым объяснением характерно для философии дзэн. Продолжением этих идей стали популярные сейчас на Западе карликовые деревья бонсай и крошечные садики в горшках.

Архитектура. Главные архитектурные памятники Японии – это храмы, монастырские комплексы, феодальные замки и дворцы. С давних времен и по сей день дерево является главным строительным материалом и в большой степени определяет конструктивные особенности. Древнейшие религиозные постройки – святилища национальной японской религии синто; судя по текстам и рисункам, они были относительно простыми строениями с соломенной крышей, как и древние жилища. Храмовые постройки, возводившиеся после распространения буддизма и связанные с ним, по стилю и планировке основывались на китайских прототипах. Буддийская храмовая архитектура менялась в зависимости от времени, а декор и расположение построек были различными в разных сектах. Японские сооружения отличаются обширными залами с высокими крышами и сложной системой консолей, а их декор отражал вкус своего времени. Простая и величественная архитектура комплекса Хорюдзи, построенного близ Нара в начале 7 в., столь же характерна для периода Асука, как красота и элегантность пропорций Хоодо, «Зала феникса» в Удзи, отражающегося в Лотосовом озере, для эпохи Хэйан. Более сложные постройки периода Эдо приобрели дополнительные украшения в виде богато раскрашенных раздвижных дверей и ширм, изготовленных теми же «великими декораторами», которые украшали интерьеры окруженных рвами замков и дворцов феодалов.

Архитектура и сады Японии связаны настолько тесно, что могут считаться частями друг-друга. Особенно это справедливо в отношении построек и садовых домиков для чайной церемонии. Их открытость, простота и тщательно продуманная связь с ландшафтом и перспективой оказывают большое влияние на современную архитектуру Запада.

См. также КИТАЙСКАЯ И ЯПОНСКАЯ АРХИТЕКТУРА.

ВЛИЯНИЕ ЯПОНСКОГО ИСКУССТВА НА ЗАПАД В течение всего одного века искусство Японии стало известно на Западе и оказало на него значительное влияние. Были и более ранние контакты (например, голландцы вели торговлю с Японией через порт Нагасаки), однако предметы, доходившие до Европы в 17 в., были в основном произведениями прикладного искусства – фарфор и лаковые изделия. Их охотно коллекционировали как диковинки и копировали различными способами, но эти предметы декоративного экспорта не отражали сути и качества японского искусства и даже породили у японцев нелестное представление о западном вкусе.

Впервые западная живопись испытала прямое влияние японского искусства в Европе в 1862 во время огромной Международной выставки в Лондоне. Представленные на Парижской выставке пятью годами позже японские гравюры на дереве вновь возбудили большой интерес. Сразу же возникло несколько частных коллекций гравюр. Дега, Мане, Моне, Гоген, Ван Гог и другие восприняли японские цветные гравюры как откровение; часто отмечается легкое, но всегда распознаваемое влияние японской гравюры на импрессионистов. Американцев Уистлера и Мэри Кассат привлекли сдержанность линии и яркие колористические пятна гравюр и живописи укиё-э.

Открытие Японии для иностранцев в 1868 породило увлечение всеми западными вещами подряд и заставило японцев отвернуться от их собственной богатой культуры и художественного наследия. В это время многие прекрасные живописные произведения и скульптуры были проданы и оказались в западных музеях и частных коллекциях. Выставки этих предметов познакомили Запад с Японией и стимулировали интерес к путешествиям на Дальний Восток. Безусловно, оккупация Японии американскими войсками в конце Второй мировой войны открыла более широкие, чем раньше, возможности для знакомства и более глубокого изучения японских храмов и их сокровищ. Этот интерес отразился и в посещаемости американских музеев. Интерес к Востоку вообще вызвал организацию выставок произведений японского искусства, отобранных из японских государственных и частных коллекций и привезенных в Америку и Европу.

Научные исследования последних десятилетий сделали много для опровержения мнения, что японское искусство является лишь отражением китайского, а многочисленные японские публикации на английском языке познакомили Запад с идеалами Востока.

Найти "ЯПОНСКОЕ ИСКУССТВО " на